L’UNIVERSO UMANO NELL’ARTE DI EDWARD POVEY: INTERVISTA ALL’ARTISTA INGLESE

MILANO. Edward Povey è uno dei più grandi artisti inglesi. I suoi lavori, conosciuti in tutto il mondo, sono presenti in numerose collezioni e in spazi pubblici, come i monumentali murales. Il pittore ha risposto – e lo ringrazio – alle mie domande sul suo percorso creativo in cui spiccano meravigliose figure di starordinaria espressività. Povey vive e lavora nel Devon.

SF: Quando hai iniziato a dipingere?
EP: Ho iniziato a disegnare seriamente all’età di sette anni, quando sono rimasto affascinato dagli autobus londinesi, e li ho disegnati ripetutamente, cercando di capire come fossero costruiti. Ancora oggi utilizzo il disegno per lo stesso scopo: esplorare la costruzione di forme naturali, come le teste e le mani umane, per esempio.
All’età di 10 anni ho iniziato a dipingere ad olio su un cavalletto che mio padre aveva fatto per me, in fondo alla mia cucina, realizzando piccoli paesaggi e nature morte. Dopo di che, ho sempre dipinto.

All’età di 21 anni, ho iniziato a mettere da parte una stanza come studio in ogni casa in cui vivevo, e la storia è iniziata.

SF: Quali soggetti preferisci?
EP: Mi è sempre piaciuto raffigurare gli esseri umani, e per decenni sono stati il ​​contenuto esclusivo dei miei dipinti, ma ora si è esteso, perché ho iniziato a rendermi conto che il territorio di un essere umano si estende verso l’esterno nei loro ricordi, nei loro tavoli e sedie , le tazze, i piatti e le fotografie. Tutte queste cose diventano parte di ogni essere umano.

Finalmente i miei dipinti sono arrivati ​​a risolvere la questione della mortalità e della vulnerabilità. Vedo vite solo con la nascita da una parte e la morte dall’altra. Li vedo pieni di sentimenti e desideri intensi, di perdite e amori, sogni e bellezza non realizzati. Questo è il motivo per cui le mie figure sembrano così mortali, vuote agli occhi, fragili e in qualche modo religiose e pallide.

SF: Come si è evoluto il tuo stile?
EP: Tra i 24 ei 31 anni, ho dipinto 25 murales interni ed esterni fino a 6 piani di altezza. In quel periodo ho dipinto esseri umani, ma dall’esterno, in relazione alla società e alla storia. Per me, gli esseri umani erano cose lontane, idee accademiche.

Alla fine di quel periodo ho visitato Israele da solo e sono andato ai festeggiamenti del Giorno dell’Indipendenza israeliana. Ho scoperto che Israele aveva un’atmosfera, come se il terreno fosse intriso di sangue e poesia. Ai festeggiamenti, ho visto bambini che suonavano la cornamusa, persone in costume e ballerini che si muovevano tra la folla, spalla a spalla con i soldati. Ho cominciato a vedere individui, pieni di pathos, una bellissima tristezza che non avevo mai visto prima.
All’età di 32 anni mi sono trasferito nell’isola caraibica di Grenada, dove ho trascorso sette anni in uno studio isolato, studiando simbolismo. Ora ho iniziato a dipingere individui, con un senso dei propri atteggiamenti e sentimenti, che è stato un grande cambiamento rispetto ai miei atteggiamenti di pittore murale.
All’età di 40 anni stavo realizzando dipinti solidamente simbolisti che esploravano la psicologia, gli abusi sui minori e, in seguito, le famiglie, l’onestà e il tradimento. Negli anni che seguirono, tutto nei miei dipinti era metaforico e i miei spettatori continuarono a vedere individui e coppie che riempivano i miei dipinti. A quel tempo esponevo a New York.
All’età di 55 anni ho iniziato a mettere in discussione i miei dipinti e cercare qualcosa che si addentrasse più in profondità nei misteri della psicologia umana. Sperimentavo con gli stili e approfondivo la mia conoscenza del simbolismo postmoderno nelle opere di John Currin, Jenny Saville e Paula Rego.
Sono passati altri 12 anni, all’età di 67 anni, che ho iniziato a scoprire le questioni più primordiali e fondamentali dell’umanità, come la mortalità. Cominciai a esigere da me stesso un livello di autenticità e onestà, e iniziai a ribaltare tavoli, pavimenti e pareti, piatti contro il piano della tela in una forma di cubismo pre-rinascimentale. Una “onestà di prospettiva”.

SF: Puoi parlarci di The Trial of Saint Deiniol?
EP:The Trial of Saint Deiniol è un mio primissimo dipinto, che risale al mio passaggio dalla pittura murale alla pittura su tela e al mio trasferimento nel mio studio caraibico.
Il dipinto è stato commissionato da un avvocato, che voleva 19 dipinti per gli uffici del suo staff. Ho deciso di realizzare 19 pannelli che si incastrassero per diventare un unico dipinto di 5,18 x 6,71 metri.

L’ho dipinto in una scuola nella campagna inglese e quando è stato finito, il mio mecenate, John Ross Jones, l’ha visto e ha promesso di non appendere mai i pannelli separatamente, ma di trovare un luogo pubblico per il dipinto.
Nel dipinto, avevo messo il santo patrono locale: San Deiniol sotto processo in un’aula di tribunale. In sostanza, stavo mettendo i suoi principi e le sue convinzioni sotto processo davanti al pubblico, mostrando coloro che credevano in essi e coloro che rifiutavano i suoi principi.
Nel 1986 ho portato il dipinto a New York, dove ne ha scritto il New York Times, e il famoso giornalista del New York Times, Dith Pran, è venuto a parlare con me. Era il soggetto del film: “The Killing Fields”, ed era sopravvissuto per anni nei campi di lavoro dei Khmer rossi.
Successivamente il dipinto è stato effettivamente rubato da un mio collezionista d’arte, che si è rifiutato di restituirlo. Attualmente, un consiglio comunale in Galles sta tentando di riportare il dipinto nella città in cui è stato dipinto.

SF: E il meraviglioso murale della Sala dell’illusione?
EP: L’Università del Galles ha commissionato un dipinto per The Powys Hall, che era una sala da concerto da camera a Bangor, nel Galles del Nord. In effetti, è stata una mia idea dipingere l’intero muro del palco.
Questo dipinto è avvenuto in un altro punto critico della mia carriera. Ero tornato da poco dai Caraibi e stavo iniziando a dipingere la psicologia familiare. Sono tornato di nuovo ai Caraibi e ho preso in prestito una casa in cui disegnare il dipinto e sono rimasto lì, progettando e lavorando fino a quando non è stato completato. Ho basato il disegno su sette fasi immaginarie della vita, fasi dell’illusione che ci portano dalla nascita alla morte, terminando idealmente con il vecchio che abbraccia il bambino che era una volta (raffigurato al centro del murale), in una scena di sé accettazione.

Il murale è stato dipinto principalmente nel 1992 (quasi 30 anni fa) sul posto nel corridoio. Ci è voluto quasi un anno per dipingere, e ha coinvolto vaste aree di pittura a trompe l’oeil, creando una struttura di pietra scolpita all’interno della quale collocare i sette pannelli della vita.

ALTRE OPERE:

SITO WEB: https://www.edwardpovey.com/

CREDITS. Foto: courtesy of Edward Povey.

Edward Povey Discusses His Manifesto of His New Works