ROMA. Davanti a un quadro astratto può capitare di sentirsi disorientati. “Che cosa dovrei vedere?” è spesso la prima domanda. E proprio da qui nasce l’equivoco: l’arte astratta, per sua natura, può fare a meno di un soggetto riconoscibile.
Un paesaggio ci permette di cercare una montagna, un ritratto un volto, una scena storica un episodio. Nell’arte astratta, invece, il punto di partenza può essere una linea, una macchia di colore, una superficie, una forma geometrica oppure il gesto stesso con cui il colore è stato steso.
Per capire un’opera astratta bisogna quindi cambiare leggermente metodo. Prima di cercare un significato, bisogna guardare come il dipinto funziona.
Da dove cominciare davanti a un quadro astratto
La prima cosa da osservare sono i colori. Sono pochi o numerosi? Creano armonia oppure contrasto? Un rosso acceso domina la superficie o compare soltanto in un piccolo punto? Un blu profondo produce una sensazione di distanza?
Poi arrivano le forme. Sono geometriche, organiche, irregolari? Si ripetono? Sembrano muoversi oppure restano immobili?
Anche le linee raccontano qualcosa. Una linea verticale può suggerire stabilità; una diagonale può creare tensione; una curva può accompagnare lo sguardo. Non esiste però un vocabolario universale: il significato nasce dal rapporto fra gli elementi presenti nell’opera.
Infine bisogna guardare la materia. Una superficie liscia produce un effetto molto diverso da una pittura spessa, graffiata o stratificata. In alcuni artisti il gesto della mano è parte essenziale dell’opera.
Kandinskij: quando la pittura diventa musica
Uno dei punti di riferimento fondamentali per capire l’arte astratta è Wassily Kandinsky.
Per Kandinskij il colore e la forma potevano agire direttamente sulla sensibilità dello spettatore. La pittura poteva quindi liberarsi dalla necessità di rappresentare un oggetto e diventare qualcosa di simile alla musica, capace di comunicare attraverso ritmo, intensità e armonia.
Nel suo celebre libro Lo spirituale nell’arte, pubblicato nel 1911, l’artista riflette proprio sul rapporto fra colori, forme e dimensione interiore.
Guardando un’opera di Kandinskij, dunque, la domanda “che cosa rappresenta?” rischia di essere poco utile. È più interessante chiedersi: come si muove il mio sguardo? Dove sento tensione? Quale colore domina? Quale forma interrompe l’equilibrio?
Mondrian, Rothko, Pollock: tre modi di essere astratti
L’astrazione non ha un solo linguaggio.
Piet Mondrian porta la pittura verso una rigorosa costruzione geometrica fatta di linee verticali e orizzontali, campiture bianche e colori primari. Nei suoi quadri l’equilibrio sembra quasi architettonico.
Con Mark Rothko il discorso cambia radicalmente. Grandi campi cromatici sembrano galleggiare sulla superficie e producono un’esperienza lenta, quasi immersiva. Qui il colore diventa ambiente.
Con Jackson Pollock, invece, la pittura sembra liberarsi dalla tela tradizionale. Il colore viene fatto colare, sgocciolare, spruzzare. Il quadro conserva la traccia del gesto fisico dell’artista.
Tre artisti, tre idee diverse di astrazione. Questo è un punto fondamentale: capire l’arte astratta significa anche capire che astratto non significa semplicemente “senza figure”.
L’arte astratta va capita o sentita?
La risposta più interessante è: entrambe le cose.
Conoscere il periodo storico, l’artista e le sue intenzioni aiuta moltissimo. Sapere che Mondrian lavorava sulla ricerca dell’equilibrio o che Kandinskij rifletteva sul rapporto fra pittura e musica cambia il modo in cui guardiamo i loro quadri.
Ma una spiegazione non dovrebbe sostituire l’esperienza visiva.
Davanti a un’opera astratta possiamo anche restare in silenzio e osservare. Il significato non è necessariamente un messaggio nascosto da decifrare, come se ogni cerchio avesse una traduzione precisa e ogni colore un codice segreto. A volte il senso nasce dalla relazione fra ciò che vediamo e ciò che proviamo.
Per questo l’arte astratta può sembrare difficile e, nello stesso tempo, sorprendentemente libera. Non ci chiede soltanto di riconoscere qualcosa: ci chiede di imparare un nuovo modo di guardare.
L’astrazione non nasce dal nulla
Per capire davvero come leggere l’arte astratta, conviene fare un passo indietro. L’astrazione non compare improvvisamente nei primi decenni del Novecento: è il risultato di una lunga trasformazione del modo di rappresentare la realtà.
La fotografia aveva ormai messo in discussione il ruolo tradizionale della pittura come strumento per riprodurre fedelmente il mondo visibile. Allo stesso tempo, artisti come Monet, Cézanne, Van Gogh e Matisse avevano già mostrato che colore, luce, pennellata e forma potevano acquistare un’autonomia crescente rispetto al soggetto.
Cézanne, in particolare, aveva cercato di costruire la realtà attraverso rapporti di forme e colori. La sua ricerca sarebbe diventata fondamentale per le generazioni successive. Da quella strada nasceranno il cubismo di Picasso e Braque e, più avanti, le diverse forme di astrazione.
L’artista astratto, quindi, non decide semplicemente di “dipingere qualcosa di strano”. Sposta progressivamente l’attenzione dalla cosa rappresentata al linguaggio della pittura.
Un quadro astratto può raccontare una storia?
Sì, anche quando non contiene personaggi, paesaggi o episodi riconoscibili.
Pensiamo a una grande superficie rossa attraversata da una linea nera. Non vediamo necessariamente un oggetto, eppure percepiamo una relazione: il rosso può apparire aggressivo o caldo, la linea può dividere lo spazio oppure attraversarlo con energia.
Questo significa che l’arte astratta può comunicare senza raccontare una storia nel senso tradizionale.
Il ritmo è fondamentale. Forme ripetute, intervalli, contrasti e variazioni possono creare una sorta di grammatica visiva. È un principio che ricorda la musica: una melodia non deve rappresentare un albero o una persona per emozionare.
Per questo Kandinskij parlava di rapporti fra pittura e musica. La tela poteva diventare una composizione nella quale colori e forme funzionavano come suoni.
Come osservare un quadro astratto senza perdersi
Un metodo semplice consiste nel guardare lo stesso dipinto più volte, cambiando ogni volta domanda.
Prima osservazione: che cosa noto immediatamente?
Seconda: quale parte della tela attira il mio sguardo?
Terza: dove si concentra il peso visivo?
Quarta: quali colori dominano e quali interrompono l’equilibrio?
Quinta: la superficie appare ferma oppure suggerisce movimento?
Sesta: riesco a percepire il gesto dell’artista?
Solo dopo conviene chiedersi che cosa potrebbe significare.
Questo procedimento evita una delle trappole più frequenti davanti all’arte astratta: cercare a tutti i costi una figura nascosta. Una macchia può ricordare un volto, una montagna o un animale, ma quella somiglianza potrebbe essere casuale. L’opera può funzionare perfettamente anche senza quella interpretazione.
Astratto geometrico e astratto informale
Un’altra distinzione utile riguarda le principali direzioni prese dall’arte astratta nel Novecento.
L’astrazione geometrica tende verso ordine, proporzione, simmetria e costruzione. Mondrian ne rappresenta uno degli esempi più celebri, ma anche il Suprematismo di Malevič e alcune esperienze del Bauhaus appartengono a questa grande area di ricerca.
L’astrazione informale, sviluppatasi soprattutto nel secondo dopoguerra, percorre invece una strada più libera. La materia, il gesto, la casualità e la superficie acquistano un’importanza enorme. In Europa artisti come Alberto Burri e Lucio Fontana esplorano possibilità radicalmente diverse rispetto alla pittura figurativa tradizionale.
Burri utilizza sacchi, plastiche, combustioni e materiali deteriorati; Fontana taglia la tela e trasforma la superficie stessa in uno spazio da attraversare con lo sguardo.
Qui emerge una domanda decisiva: dove finisce il quadro e dove comincia la materia?
Non esiste una sola interpretazione
Una delle caratteristiche più affascinanti dell’arte astratta è la possibilità di generare interpretazioni diverse senza che una debba necessariamente cancellare tutte le altre.
Naturalmente esistono dati, contesti storici e intenzioni documentate. Conoscerli è fondamentale. Un’opera di Malevič va letta diversamente da una tela di Pollock, così come un quadro di Rothko appartiene a una ricerca diversa da quella di Kandinskij.
Ma davanti alla tela rimane sempre una parte affidata allo spettatore.
Capire l’arte astratta significa quindi imparare a convivere con una certa dose di incertezza. Non tutto deve essere tradotto in parole. Alcune opere chiedono tempo, distanza, silenzio.
E forse questa è la difficoltà più interessante. Quando guardiamo un quadro figurativo possiamo riconoscere rapidamente ciò che abbiamo davanti. L’astrazione rallenta quel meccanismo e ci costringe a restare qualche istante in più davanti alla superficie.
A quel punto il quadro smette di essere un enigma da risolvere. Diventa un’esperienza visiva da attraversare.
Bibliografia essenziale
- Bibliografia essenziale
- Wassily Kandinsky, Lo spirituale nell’arte, 1911.
- Museum of Modern Art, materiali e collezioni sull’arte astratta del XX secolo.
- Tate, risorse dedicate all’astrattismo e all’arte moderna.
- Guggenheim Museum, collezioni e approfondimenti sull’arte astratta.
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